Was ist wirklich gute Qualität in der Kunst?

Im vergangenen Jahr wurden einige Gläser im Museum of Modern Art in San Francisco großgeschrieben. Zwei Teenager hatten sie dorthin gebracht. Sie waren nicht so beeindruckt von der Ausstellung und fragten sich, ob sie es besser machen könnten.

Die Jungs hatten viel Spaß, wenn sie das Publikum in Betracht nahmen, das sofort daran zweifelte, ob die Brille Teil der Ausstellung war oder ob es nur jemanden gab, der sie auf dem Boden vergessen hatte.

Die Geschichte verbreitete sich schnell um die Welt und gab weit mehr als zwei Teenagerjungen ein gutes Lachen.

Der Begriff Qualität ist überall zu einem Pluspunkt geworden, wenn es um Kunst geht. Es wird nach Kriterien für eine gute oder schlechte Grafik gesucht. Niemand scheint sie gefunden zu haben.

Qualität wird zunehmend diskutiert

Jetzt ist auch die Frage an die Forschung gelangt. Zum ersten Mal wurde eine Forschungsinitiative für Qualität in der Kunst in Norwegen ins Leben gerufen.

Jorunn Veiteberg ist Kunsthistoriker und Leiter des Forschungsausschusses des dänischen Forschungsrats. Sie ist erfreut darüber, dass der Kulturrat Qualität mit dem Fokus auf „Kunst, Kultur und Qualität“ auf die Tagesordnung gesetzt hat.

Niemand ist gegen die Qualität. Aber es ist schwierig, dem Begriff einen präzisen Inhalt zu geben, wenn es um Kunst geht, schließt sie.

„Es ist leicht, mit zeitgenössischer Kunst hart zu sein, aber Kultur bricht die ganze Zeit. Nur wenn wir genügend Zeit haben, um die Kunst zu beurteilen. Wenn wir in der Mitte von etwas Neuem stehen, das gleich werden soll, wie es mit der Kunst unseres Zeitgenossen ist, ist es schwieriger, kategorisch zu sein. Wir können nicht beurteilen, ob es gut oder schlecht ist.

Monet war einmal veraltet

Sie erinnert sich, dass Impressionisten wie Monet, Degas und Renoir, die heute alle sehr hoch eingestellt sind, in ihrer heutigen Zeit ausgezeichnet wurden. Und während Vincent van Goghs Gemälde heute hohe Auktionspreise erzielen, verkaufte er nur ein Gemälde, während er lebte.

Manche glauben jedoch, dass konzeptuelle Kunst qualitativ bewertet werden kann und sollte. Tommy Sørbø ist Kunsthistoriker und hat den Roman „Rubbish“ geschrieben, eine Satire aus der Kunstwelt. Er kritisiert eine Sicht der Kunst, die alles, was wir als Kunst bezeichnen, zu Kunst macht.

„Ich bin ein Essentialist. Ich meine, dass Qualität ein inhärentes Merkmal der Arbeit ist oder sein sollte.

Sørbø glaubt, dass Sie, wenn Sie mitnehmen, das Pissoir zu Marcel Duchamp nehmen, auf einem Podest platzieren und die Unterschrift auswischen, es ist nur ein Urinal.

Ein Straßenübergang in Norwegen

Hier in Norwegen war das Kunstwerk Fargane ein Knotenpunkt in der norwegischen Bildhauerkunst, sagt Veiteberg.

Die Künstler Per Inge Bjørlo ging oft um um Akers mek. Wer etwa war in Aker Brygge umgewandelt werden, in den 1970er Jahren.

Eines Tages fand er einen Plastikschlauch. Der Schlauch war benutzt worden, um die Gase aus der Farbe herauszusaugen. Die Farbe war rutschen und in den Schlauch eingeklemmt, als mehrere Schichten von Farbflecken.

Der Kunststoffschlauch wurde zum Kunstwerk Fargane chem . Es besteht aus einem Kunststoffschlauch mit einem Seil und hängt nach einem Draht auf.

Wurde in einen Conteiner geworfen

Dieses Stück Industrieabfall wurde von einem von Künstlern dominierten Ausschuss an die National Gallery verkauft. Sie fanden die Arbeit politisch und ästhetisch interessant und stark. Die künstlerische Führung stimmte jedoch nicht völlig zu. Sie schickten es sofort in den Keller der Galerie.

Mindestens einmal endete die Arbeit in einem Conteiner. Unerfahrene Museumsassistenten sahen keinen Unterschied zwischen Kunstwerk und Müll.

„Die Arbeit brach so sehr mit der Tradition dessen, was die norwegische Skulptur damals war. Es brauchte Kunst aus dem erhöhten Regal und brach mit allen ästhetischen Anforderungen und Erwartungen an Denkmäler und was als Kunst bezeichnet werden würde.

Die Arbeit wurde eigentlich erst in den 2000er Jahren gezeigt, sagt Veiteberg.

Kunst wurde demokratischer

Der Kunsthistoriker glaubt, dass es vor den siebziger Jahren einen guten Konsens über die gute Kunst gab, obwohl die Debatte über moderne Kunst und abstrakte Malerei hochgegangen ist. Es war keine Frage von Begriff als „guter“ Geschmack. Dann herrschte noch die Hochkultur. Schließlich kam der Begriff „das erweiterte kulturelle Konzept“ ins Spiel, und es gab Raum für Hallentanz, Rock und Sport in der Kultur.

„Mehrere in der norwegischen Gesellschaft erhielten höhere Bildung und sammelten so Geld und Zeit, um an kulturellen Aktivitäten interessiert zu sein. Aber sie hatten breitere Vorlieben als die bürgerliche Kultur, und das Kunst- und Kulturangebot wurde vielfältiger.

Heute haben wir ein viel reicheres kulturelles Angebot, zum Beispiel sind viele weitere Musiksänger und Festivals ein Teil der Kunst.

Dies sei auch eine politisch gewünschte Entwicklung gewesen, sagt Veiteberg.

„In einer egalitären Gesellschaft muss nicht nur Kunst von einer Elite kultiviert werden. Die Kunst würde demokratischer werden. Mehrere Kunst- und Kulturpraktiker sollten einbezogen werden.

Viel über Qualität in kulturellen Botschaften

Der dänische Philosoph und Professor an der Universität Agder, Søren Kjørup, ist derzeit dabei, eine Textanalyse unter der Schirmherrschaft der Arts Council Forschungsinitiative. Er untersucht die Frequenz der Begriff „Qualität“ in kulturellen Botschaften aus den 1970er Jahren bis heute und welcher Art von Kriterien, die das Konzept eines Inhalts zu schaffen angewandt wurden. Er kann zeigen, dass er in den 1970er Jahren selten benutzt wurde, während er in den neuesten Kulturberichten fast auf jeder Seite erscheint.

„Der Grund dafür ist, dass wir mit der Initiative des Kulturrates hervorgehoben werden wollen“, sagt Veiteberg.

Muss wissen, was wir bezahlen

In den siebziger Jahren lösten öffentliche Unterstützungsprogramme für Kunst und kulturelle Ausdrucksformen ebenfalls Geschwindigkeit aus. Dann kam der Bedarf an Qualitätsbewertungen. Es war wichtig sicherzustellen, dass die Kunst, die öffentliche Unterstützung erhielt, gut war.

Es waren die heißesten, die als die beste angesehen wurden, um die Qualität zu beurteilen. Aber manchmal haben Politiker Schritte unternommen, um bestimmte künstlerische Ansichten zu unterstützen, sagt Veiteberg.

Mitte der 90er Jahre erhielt die Staatliche Akademie der Bildenden Künste eine Professur für figurative Malerei und figurative Bildhauerei. Es gab eine hitzige Debatte, dass es im Klassenzimmer einige Qualitätsziele geben sollte.

Dann mussten die Schüler lernen, eine Hand zu malen.

„Dies ist nur ein Verständnis dessen, was künstlerische Qualität ist“, sagt Veiteberg.

Sie lehnt die Idee ab, dass Qualität eine inhärente Eigenschaft ist.

– Qualität kann nur aus dem aktuellen Kontext und im Vergleich zu anderen Werken geschätzt werden.

Ein Wort ohne Inhalt

Diese Wortqualität ist zu einem Plus an kulturpolitischer Rhetorik geworden, siehe auch Merete Jonvik, Forscherin bei IRIS. Sie studiert in einem laufenden Projekt Interviews und Kritiken von Kunstkritikern in norwegischen Zeitungen und Zeitschriften.

Eine immer wiederkehrende Frage sowohl in der Kunstgeschichte als auch in der Literaturwissenschaft ist, ob es gängige Qualitätskonzepte oder Qualitätskriterien gäbe, sagt sie.

– Kunstkritiker beziehen sich implizit auf verschiedene Arten von Kriterien wie Originalität, intellektuelle Macht und Großzügigkeit in ihren Besprechungen. Qualität manifestiert sich auch durch das, was wir Symptome nennen können. Dann geht es darum, wie und wie Kunst auf den Betrachter wirkt, in diesem Fall der Kritiker, sagt Jonvik.

Obwohl Kritiker sich damit befassen, was Qualität ist, was sozusagen hinter dem Begriff steht, denkt niemand, dass der Begriff im kritischen Kontext von besonderem Nutzen ist.

Das Bedeutungsvolle ist zu beschreiben, was in der Begegnung zwischen der Kunst und dem Betrachter geschieht, bedeuten die Kunstkritiker.

Kunstkritik heutzutage geht weniger um Bewertung und Bewertung als vielmehr um Verbreitung und Interpretation. In den Interviews ist Jonvik klar.

– Kunstkritik sollte zeigen, wie das Zusammentreffen von Zuschauern und Werken sichtbar wird und was die Arbeit über den Betrachter ist.

Keine gesperrten Standards

Die Künstlerin Anne Karin Jortveit hat die Jury für die jährliche Herbstausstellung in Oslo, die vom 10. September bis 9. Oktober geöffnet ist, geleitet.

Sie bestätigt die Behauptung der Kunstforscher, dass Qualität in den letzten Jahren viel mehr auf die Tagesordnung gekommen sei.

Sie glaubt, dass sie als Jury noch keine „Standards“ für die Qualität der in der Ausstellung aufgenommenen Arbeiten haben. Die Suchmassen sind komponiert und haben so offen wie möglich gearbeitet.

– Der Begriff Qualität in der Kunst ist komplex. Etwas, das in einer Umgebung als eine gute Arbeit gilt, kann in einem anderen nicht die gleiche Relevanz haben. Als wir als Jurymitglied arbeiteten, hatten wir schon vorher einen Anruf, was wir für eine aufregende und befriedigende Ausstellung halten. Aber nichts ist wichtig, bis wir die Arbeit sehen.

Die Herbstausstellung wird sein, was es sein wird, wer sich bewerben möchte. Die Ausstellung ist auch ein Ort, an dem sich das Unerwartete noch beweisen kann, sagt der Jury-Leiter.

„Manchmal ist es so, als ob wir sofort sehen, dass eine Arbeit sehr aufregend ist. Es kann sein, dass wir uns einige Zeit nehmen, um über die Vielfalt der Arbeit nachzudenken, aber es ist, als ob wir sofort sehen, dass dies eine Arbeit mit mehreren Substraten ist. Das hängt natürlich auch mit den Erfahrungen und Erkenntnissen zusammen, die wir als Akteure im Bereich der Kunst haben.

Die Künstler müssen mehr im Beruf haben

Das Qualitätskonzept ist immer noch da und charakterisiert den Alltag der Künstler im höchsten Maße, glaubt Jortveit.

„Heute als Künstler werden wir mehr darüber haben. Wenn Sie Unterstützung für ein Projekt suchen, werden Sie wahrscheinlich das Gefühl haben, dass Sie einen Überblick über das Projekt haben müssen, bevor Sie beginnen.

Sie denkt, es ist oft schwierig.

„Als Künstler wissen Sie nicht unbedingt, wie ein Projekt endet, wenn Sie daran arbeiten.

Kunst verändert den Charakter, wenn es um eine Ausstellung geht

Jortveit glaubt, dass ein Kunstwerk in Bezug auf eine größere Ausstellung auf neue Weise gelesen wird.

– An der Herbstausstellung, arbeiten wir die einzelne Werke zu einem Ganzen zu setzen, thematisch und ästhetisch. Daher ist die Vorstellung von einem Arbeitswechsel in einem so großen Ausstellungskontext, egal wie konzeptionell oder materiell ist. Die Arbeiten beginnen zu interagieren. Und die Öffentlichkeit sind Aspekte der visuellen Erfahrung Annahme sonst nicht im Alltag zum Einsatz.

Kunstwerke werden von Menschen für Menschen gemacht. Man sollte die menschliche Begegnung mit der Kunst nicht ignorieren, glaubt Jortveit.

„Dennoch kann es oft nützlich sein, wenn die Öffentlichkeit etwas über die künstlerischen Prozesse weiß, die hinter dem Kunstwerk stehen. Sie kann dem Kunsterlebnis mehr Ballast geben, glaubt sie.

Kunst ist wie Fußball!

Kunst so ist wie mit allen anderen Fächern. Es erfordert Wissen und Erfahrung, um es zu bewerten.

– Ich verstehe nicht, woher es kommt, dass aus der Kunst nicht gelernt werden kann. Wenn Sie noch nie die Regeln für den Fußball gelernt haben, müssen Sie ihnen zuerst beibringen, das Spiel zu verstehen. So funktioniert es auch mit der Kunst.